Recuerdos de Navidad

 

Guardo muy buenos recuerdos del "Merry Axemas 1". Estaba en secundaria y me lo mandé a traer en edición japonesa (con bonus track de Paul Gilbert, creo), allá por el año 98 o 99. Luego cometí el error de prestarlo a alguien del colegio y nunca me lo devolvieron (Barrón, Benavente, truhanes sin consideración, uno de ustedes dos lo tiene!). El video es una demostración de por qué Eric Johnson es uno de los grandes.

FELIZ NAVIDAD Y PRÓSPERO AÑO NUEVO 2012! 

Coloreando la escala pentatónica con notas de las escalas modales

En este video, el gran Vinnie Moore improvisa distintos licks, todos ellos basados en la escala pentatónica, pero combinados o sazonados con las notas extra de alguna escala modal (en el video, Vinnie lo demuestra con los modos Dorian, Mixolydian y Lydian). Esta lección nos permite comprender que tan solo basta añadir dos notas a las escalas pentatónicas para conseguir entrar en el territorio sónico de los distintos modos.

Ésta es una excelente forma de ampliar nuestro vocabulario musical, una vez que se hayan dominado las diferentes posiciones para las pentatónicas convencionales. Para un estudiante de guitarra rock/blues/metal, en un principio los modos pueden sonar demasiado exóticos sobretodo si los comparamos con el sonido más crudo y rockanrollero de la escala pentatónica menor. Pero lo cierto es que ambos mundos pueden combinarse con resultados que vale la pena explorar.

Sobre los bends y el vibrato

Sobre el cifrado de acordes

Una de las primeras cosas que muchos estudiantes aprenden con la guitarra es a tocar los acordes de sus canciones favoritas. Para esto, conviene conocer cuales son las convenciones de escritura que se utilizan con mayor frecuencia para referirnos a dichos acordes.

ACORDES DE TRIADA: son acordes que tienen tres notas (distintas).

1) Las letras por sí solas indican un acorde MAYOR.

Ej: G = Sol mayor, B = Si mayor, C = Do mayor

2) Cuando el acorde es MENOR, la letra viene acompañada por una “m” minúscula, un “-” o un “min”.

Ej: Dm = Re menor, G- = Sol menor, Emin = Mi menor

3) El intervalo de tercera de cualquier acorde, sea menor o mayor, puede ser sustituido por un intervalo de segunda mayor o cuarta justa. En ese caso, se dice que el acorde ha quedado “suspendido”, en referencia al sonido flotante e indefinido que se logra a nivel armónico, pues es justamente el intervalo de tercera el que define si un acorde es mayor o menor.

Ej: Dsus4 = Re suspendido 4, Csus2= Do suspendido 2

4) Las triadas "disminuídas" se indican con el término “dim”, la fórmula Xm(b5) ó el símbolo °

Ej: B dim, Bm(b5), B ° = Sí disminuído

5) Acordes de poder (power chords): son acordes que contienen tan solo dos notas, la tónica y el intervalo de quinta. Al no tener intervalo de tercera, no se puede decir que sean mayores o menores, aunque el contexto armónico (es decir, los demás acordes que lo acompañen) suele darnos la pista sobre su naturaleza. Por lo general son usados con tonos de guitarras distorsionados, ya que ofrecen un sonido agresivo y compacto. Se indican con un “5” al lado de la nota base.

Ej: C5 = Do quinta, G5 = Sol quinta


ACORDES DE CUATRIADA (contienen cuatro notas)

6) Los acordes de sétima se indican con la letra que corresponde al acorde y un “7”. Esto equivale a decir: triada básica (mayor ó menor) + intervalo de sétima MENOR respecto a la tónica (marcada de rojo en los ejemplos de abajo).

EJ:    C7 = Do sétima o Do siete     = C, E, G, Bb
      Gm7 = Sol menor (con) sétima = G-B-D-F

7) También se puede indicar una triada básica mayor o menor + un intervalo de sétima MAYOR. En este caso se coloca la anotación “maj7” al lado del acorde..

EJ: Fmaj7 = Fa (se asume que es mayor), mayor sétima = F, A, C, E
Bm/maj7 = Si menor, mayor sétima = B, D, F#, A#

Introducción a la técnica del tapping

El tapping es una de esas técnicas que los guitarristas eléctricos en general adoran, y la audiencia también. Fue llevada a su máxima popularidad y esplendor por el gran Eddie Van Halen. Otros grandes que utilizan continuamente el tapping como parte de su vocabulario son Joe Satriani, Steve Vai, Chris Broderick, Daniel Gottardo.

La característica más importante de un buen "tapping" no es la velocidad, sino la fluidez y la limpieza. Sobre la fluidez, la idea es que los pasajes de tapping, al ser una extensión de los ligados, han de escucharse fluidos, como un sonido constante y líquido, sin interrupciones abruptas. En cuanto a la limpieza, resulta que el tapping, sobretodo cuando es usado con altos niveles de distorsión, exige un control especial sobre los ruidos generados por las cuerdas abiertas; esto se logra mediante el palm muting con la mano derecha y el damping con los dedos de la mano izquierda; además hay que tratar de minimizar el ruido extra al desplazar las manos a lo largo del cuello de la guitarra, generando un ruido excesivo tipo scratch. Mucho pasajes de tapping, prescinden por completo de la púa, por lo cual es preciso tener una buena técnica de ligados con la mano izquierda (fortaleza y precisión).

Algunos ejemplos de tapping:

• Compás 1: Tapping hacia cuerda abierta seguido por dos ligados (ala Eruption)
• Compás 2: Tapping hacia cuerda abierta seguido por un ligado (ala Satch)
• Compás 3: Lick con sweep, ligados y un tap, con tonalidad de E mixolydian.
• Compás 4: Lick similar al anterior pero con mayor énfasis en las notas de la escala de E Ionian.

La danza de los dedos: creatividad mediante figuras geométricas

Similar a los pies en un baile, los dedos danzan y se mueven en por los trastes y cuerdas de la guitarra, y con sus movimientos van creando figuras geométricas de distinto tipo: líneas, círculos, diagonales, rectángulos, triángulos. La creatividad visual añade un decidido factor de azar a la creación de licks y riffs en la guitarra, además de ayudarnos a memorizar pasajes. Esta forma de crear música en la guitarra es opuesta a la tradicional, basada en el oído (escuchar la voz, la melodía interior y encontrar estas notas en la guitarra), pero no por ello deja de ser una forma interesante de ampliar nuestro vocabulario musical. Sencillamente hay que imaginar cómo y por dónde los dedos han de pisar las cuerdas esta vez.

El primero es un ejemplo de creación mediante figuras; no es realmente musical, pero es excelente como ejercicio de calentamiento. Cómo puede observarse está basado en la idea de un círculo con un centro bien definido en la nota Sol del traste doce. La figuta puede remitirnos a un átomo, a un molino, o claro está, al sistema planetario, que también tiene un "sol" como eje central. Aunque parezcan trivialidades, este tipo de asociaciones pueden servir para reforzar nuestro vínculo emocional con la música; sin ese vínculo corremos el riesgo de interpretar la música con frialdad, y no hay perfección técnica que nos salve de ese no trasmitir, no comunicar.

Ej.1

Para el segundo ejemplo, empezamos con una figura de Re Mayor, asociada al triángulo equilátero, que a su vez yo asocio con un ovni. Luego ampliamos la punta del triángulo para convertirlo en un "isósceles acutángulo" (para ser honesto acabo de buscar el término en Wikipedia, no es importante saber esto). Esta figura me hace acordar a una nave espacial, una de Star Wars que es particularmente parecida (Starship Destroyer?). Pues bien, esta figura la trasladé a la posición 9 (el índice marca la posición) y armé un lick rítmicamente simétrico con dos nota pedales  (compás #2). El siguiente paso lógico sería probar el lick en distintas tonalidades y buscar otorgarle un valor musical.

Ej.2 

 

¿Cómo practicar eficientemente?

En lineas generales, la estructura de una eficiente rutina de práctica puede dividirse de este modo:

1. Calentamiento. Usualmente diez minutos es suficiente. Dedos y manos deben acondicionarse antes de comenzar la practica. Lo que buscamos con esta parte de la rutina es retomar la sensibilidad de las manos, los dedos y la púa sobre las cuerdas, y poner en funcionamiento progresivamente los tendones, ligamentos y músculos. Es aconsejable concentrarse en la presión de la punta de los dedos de la mano izquierda, buscando siempre una ejecución relajada, utilizando "la fuerza justa". En lo que respecta a la mano derecha es buena idea tocar las cuerdas con distintas dinámicas (volúmenes), acento y ritmos

2. Entrenamiento técnico. Al inicio, es importante desmenuzar las técnicas que ofrece la guitarra y practicarlas por separado, utilizando licks breves y relativamente simples. Luego se podrá combinar distintas técnicas y practicando secuencias más extensas. Es recomendable practicar con y sin pistas de acompañamiento. Tocar con una pista o un baterista permite ir adquiriendo sentido de ritmo, algo crucial para el desarrollo del fraseo (además es más divertido y musical!). Por otro lado tocar sin pista es útil para llevar el ritmo mentalmente y además permite detectar errores o defectos dado que el sonido de nuestra guitarra estará completamente aislado. Se puede dedicar por ejemplo 10 minutos a cada uno de los siguientes apartados técnicos: Escalas, Arpegios, Acordes, Tapping, Ligados, Picking alternado, Skipping, Palm Muting, Harmónicos artificiales, Whammy Bar...

3. Composición, improvisación, aprendizaje de covers, entrenamiento auditivo y teórico. Tocar una canción propia u original, o solear, es lo más divertido y satisfactorio que existe para cualquier músico. El trabajo de los dos pasos previos aquí será recompenzando, pues cada vez tendremos acceso a un mayor vocabulario musical y técnico. La composición podemos comenzar por algo tan simple como crear uno mismo una progresión de acordes, inventar un ejercicio técnico o modificar algun lick de nuestro guitarrista favorito. La improvisación es donde yo considero que se obtienen más beneficios musicales -no olvidemos que es el génesis de la composición-, hay que dejar volar la imaginación con el fraseo (¿qué ritmo, qué notas?). Esto no ocurre de la noche a la mañana: es buena idea escuchar y estudiar a otros músicos de renombre. Más que copiar nota por nota los solos de nuestros héroes de la guitarra, yo recomiendo absorber su estilo. ¿Qué hace que Vai, Clapton, Friedman, Frusciante suenen a ellos mismos? Personalidad. Eso es lo que hay que buscar en último término: un toque y estilo propios.

¿Cuánto tiempo hay que practicar?

Depende. Cada persona tiene distintos objetivos y expectativas con la guitarra. Como regla general, quien quiera convertirse en una buena primera guitarra, debería practicar al menos una hora diaria, enfatizando lo de "diaria". El agarrar la guitarra todos los días, aunque sea por un corto lapso de tiempo es más importante que la cantidad de horas o minutos específicos que se le dedique al instrumento por sesión. Evidentemente, es probable que aquel que tenga la motivación para darle más tiempo al instrumento, siempre practicando inteligentemente, tenga un progreso más acelerado. Un poco parafraseando a Yoda: la constancia crea hábito, y el hábito, progreso, y el progreso hace que todo sea divertido y valga la pena.